Foto: Carnaval de Recife, categoría "superhéroes", un festín para la etnografía de los medios comunicación.

AVATAR, la última película de James Cameron, es una mezcla de historia de amor bio-tecnológico con mundos de la virtualidad real, en la que unos alienígenas-indígenas se conectan a la Matrix a través de terminales de fibra óptica que tienen incorporado en el ADN del pelo.

La historia hace una maniobra narrativa interesante al des-dramatizar la posibilidad de habitar otros cuerpos en esquemas switching packing que hoy vemos cotidianamente en Internet. En Avatar, se juega con este otro yo a un nivel extremo, místico y épico, que no se había visto antes en el cine. Más que el argumento central, abundante en pachotadas de soldados ignorantes e incivilizados cuya misión es destruir un planeta tornasol, de gamas magenta en cada uno de sus rincones, lo interesante de esta película es el universo cultural que se recrea para darle vida a los nativos de este planeta extra solar.

La caza de pájaros del jurásico, combinada con sesiones de inteligencia colectiva para enlazar con la divinidad, así como la adoración a totems propios de las culturas colaborativas como el gran árbol -la web-, son objetos perfectos en el motor temático de Cameron, a quien le debemos no sólo la fórmula comercial perfecta del diseño emocional (Titanic), sino también, íconos pop elementales como lo es Terminator y la correspondiente imagen de humanidad hiper-tecnologizada futura.

Artículo y cruce híbrido entre Woody Allen y John Thompson, acerca de La Rosa Púrpura del Cairo. JHC.

Conscientemente o quizás sin quererlo, Woody Allen reflexiona en una de sus más célebres películas acerca de la naturaleza de los medios masivos de comunicación. En tono de comedia y tomando el caso del cine, asistimos a una escena consignada por muchos como un hito audiovisual dentro de la problemática de los mundos mediales y virtuales que experimentamos en nuestra vida cotidiana: Tom Baxter, el personaje del film, escapa de la pantalla para tener un romance con Cecilia, su más leal fan.

Desafiando toda lógica física y orgánica, este explorador transforma su condición de figura del celuloide a ser humano de carne y hueso. La “casi-interacción mediática”, en palabras de Thompson, se convierte mágicamente para Cecilia en una “interacción cara-a-cara”, fracturándose de esa manera el espacio y el tiempo natural de una película y su público, al mezclarse realidades cuya fusión es inconcebible.

Para Baxter y su fan, esta ya no es una “relación de intimidad no-recíproca” sino que pasa a ser una relación íntima, como cualquier “flechazo” de la vida real. Ella deja de soñar frente a la gran pantalla imaginando una vida mejor en un espacio y un tiempo lejano. Ella, sin caer en un schock por la emergencia de vida desde lo inerte, tiene la oportunidad de conocer a su personaje que por un instante juega a ser concreto, aunque sus billetes de utilería y su visión escenográfica del mundo lo delaten en cada momento.

Es esta mecánica casi existencial la que hace a La Rosa Púrpura del Cairo no sólo un gran film sino también una declaración con un profundo sentido contemporáneo. Una operación narrativa que invierte la dirección de nuestra relación con el mundo de las pantallas: de seres absorbidos por un entorno de imágenes, a imágenes que son convertidas en seres reales que caminan junto a nosotros.

Stranded, Vengo de un Avión que Cayó en las Montañas, es un documental exhibido en el Festival de Lima que, según la mayoría de los 16 sobrevivientes del accidente aéreo de los rugbistas uruguayos en 1972, mejor refleja lo sucedido y mejor interpreta los intensos sentimientos vividos por los protagonistas.

El documental es un intento formal por narrar desde el testimonio de los protagonistas el orden de los acontecimientos y el tejido espiritual que arman como grupo, una especie de globo de protección que se genera alrededor de los sobrevivientes que sublima inclusive la necesidad de comer carne humana para evitar la muerte.

Lo que más me ha impresionado de este documental no es la película en sí sino que el hecho mismo: no tiene explicación lógica que estos jóvenes hayan podido sobrevivir más de dos meses en la montaña, en esas condiciones.

Estos uruguayos tienen que haber auto-aprendido técnicas de la meditación más avanzada para poder controlar las sensaciones de su cuerpo. Hambre, sed, frío, angustia, desesperación y mucho más, pudo ser controlado para llegar al resultado final: salir vivos de Los Andes luego de un accidente aéreo.

En la proyección de la película estuvo uno de los sobrevivientes. Mientras él hablaba pensé que no hay manera de sintetizar las sensaciones que deja la historia. Es mejor postergar la reflexión para que los déja vu y los sueños se hagan cargo de encontrar el lugar preciso de este relato en la vida cómodamente urbana que llevamos.

Luego de una labor de cinco meses a través de Internet desarrollando y diseñando el Sitio Web oficial del Festival, y sin conocer físicamente al equipo de trabajo que en Guadalajara trabajó en los contenidos, salí disparado en un cohete de AeroMexico a convertir los kilos de bits remezclados en todo este tiempo, en átomos.

Mucho trabajo, reuniones y buen cine, fueron la pauta de una semana cargada de asombro, desde ver la imagen de la Catrina del Festival, que tantas veces retoqué en Photoshop, convertida en gigantografía en distintas partes de la ciudad, hasta conocer personalmente al equipo del Festival, con quienes intercambié e-mails durante varios meses.

Una gran acogida y la sensación de haber estado en un Festival de los grandes fue lo que me traje a Chile. Sin duda de los mejores viajes de trabajo de mi vida.

También, me di el tiempo de escribir comentarios de las películas que vi:

• Maestros del Tango en Guadalajara
• Redacted, la realidad más horrorosa que la ficción
• Pixies
• Enemigos Intimos, de Fernando Sariñana

Sólo me faltó escribir algo de la cubana “Personal Belongings”, que fue la última antes de venirme. Buena película, aire fresco para el cine cubano.

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Aunque quedé con muchas dudas luego de ver el trailer en YouTube, y sospechando que corría un riesgo al ver esta película, mi cercanía con las artes marciales y mi gusto por las películas que “le llevan combo y chuleta” me llevaron a tomar el Metro, bajarme en la estación Simón Bolívar y hacer el ritual completo del cine-consumo para ver Mirageman.

Al cabo de media hora comencé a ofuscarme con la cámara temblorosa y la predecible simplicidad de la historia. ¿No sería mejor ver esta película en DVD? ¿Para qué en el cine?

Pero a mi lado la gente comenzaba a reír. Por el humor blanco que tiene, pensé, en las secuencias de Mirageman en la prensa y los inocentes cambios de nombres: El Mercurio por El Neptunio, Cosas por Things, La Segunda por Segundo a Segundo.

Las risas también venían por las infaltables referencias al “flaite” chileno que tanto cariño ha cosechado en el imaginario del país y que compite codo a codo con la cazuela y la cueca. Pseudo-Robin es un “flaite” que se ofrece de asistente de Mirageman en sus aventuras, logrando un efecto de humor local al personificar al chileno “aperrado” y quijotesco que se mete valientemente en algo que lo supera.

Pero vamos a la historia, por precaria que sea. Antes, una aclaración: Mirageman es más bien un héroe, no un superhéroe. No tiene super poderes. No vuela ni escala edificios como araña. Anda en micro. Y trabaja como matón de discoteque. Es más bien un héroe al estilo de Taxi Driver, un don nadie que en su soledad encuentra el camino hacia la realización, sumergiéndose en las fauces de la criminalidad para rescatar a un inocente.

Lo interesante es que Mirageman es un experto en artes marciales. Su fuerza, agilidad y gestualidad es lo que salva a la película, habilidades que hacen gala en el más puro estilo de cine de kárate clase C. Como buen personaje clase C, apenas habla y cuando lo hace es mejor que pase rápido. Es su cuerpo y su máscara azul de bandera chilena quienes hablan.

La historia
Maco Gutiérrez es un solitario guardia del Passapoga que un día frustra por accidente un asalto en la casa de una conductora de televisión. Este hecho lo convierte en un famoso anónimo y estimula una notable mejoría en su hermano autista internado en una clínica. Sin pensarlo mucho, el invencible Maco se toma en serio el rol de héroe y junto con adoptar un traje especial, comienza a través de e-mail a recibir encargos que él gustoso resuelve. Un día, acepta la peligrosa misión de rescatar a una niña de una red de pedofilia. En esta aventura final, y luego de liberar a la niña, Maco recibe una bala en el cuello y se le ve caer a un pozo. Su cuerpo no aparece. Situación perfecta para seguir con la segunda parte en la que apostaría que Mirageman recibe ayuda médica en un laboratorio clandestino y recibe esta vez una habilidad sobrenatural para convertirse en un verdadero super-héroe.

JHC, desde Guadalajara, México

Esta es una película acerca de la enfermedad. De ese enemigo íntimo que sin aviso irrumpe en la vida de las personas cambiándolo todo. También, de las enfermedades más allá del cuerpo, las sociales, las culturales.

Es una película sencilla, pero que acoge certeramente todos aquellos recursos del más reciente cine mexicano como son historias de personajes modernos, que poco a poco, con la ayuda dramática de flashbacks y otros gadgets no lineales, nos comienzan a envolver en su intimidad hasta que todo explota.

Una mujer que no acepta envejecer, una enfermera muda, un escritor fracasado, un niño autista, una joven mujer embarazada y una adolescente en estado de coma, se entrelazan a partir de la noticia que a Álvaro (de cuarenta años) le descubren un tumor canceroso. Cuadros que a pesar de ser un tanto pesimistas, se expían sin caer en exageraciones.

Felicitaciones a la encantadora Ximena Sariñana, co-protagonista del film e hija del director, quien es también una de las figuras musicales emergentes de la escena joven/myspace mexicana.

JHC, desde Guadalajara, México

Como parte de la selección del Festival In-edit Beefeater de Barcelona, se presentó en el Instituto Cabañas de Guadalajara el documental LoudquietLoud:A Film About the Pixies, de Matthew Galkin y Steven Cantor. La película sigue a la banda cuando en 2004, después de casi diez años de una inesperada disolución, se reúnen para hacer una gira por Estados Unidos y Europa.

Si adoras a los Pixies, el documental te despierta sensaciones dormidas desde los entrañables noventas. Al mismo tiempo, te muestra el inevitable desgaste acumulado de algunos de los integrantes y revela parte de las razones de la separación de uno de los mejores grupos Indie Rock de todos los tiempos: el choque de egos entre Black Francis y Kim Deal.

Si no eres de los que se emociona con el final de Fight Club (el Club de la Pelea), en el que se desmoronan edificios con “Where is My Mind” de fondo, este film acerca de los Pixies es un buen ejercicio para conocer el género de Música y Documental, cuya producción e investigación debe incorporar el seguimiento de artistas que, en muchos casos, terminan encandilados de tanto brillar (lo que no debe ser nada de fácil).

Kurt Cobain afirmó alguna vez “básicamente intenté plagiar a los Pixies”. Los Pixies son tan buenos que muchos celebrarían que volvieran a grabar. Sin embargo, la abierta opción de un nuevo disco que sugieren los directores se disuelve con la sensación de pérdida de feeling grupal que deja la película. El tiempo de los Pixies ya pasó. Así como el tiempo en el que los músicos podían vivir de las ventas de los discos, sin sentirse obligados a dar recitales diez o veinte años después del peak, sin tanta energía y con una Internet que amenaza los derechos de autor.

JHC, desde Guadalajara, México

Ayer domingo, Brian de Palma presentó en el Teatro Diana su última realización en el contexto del XXIII Festival Internacional de Cine en Guadalajara. Nos advirtió, que se trataba de una película “difícil, que mucha gente tilda como que no se puede ver”. “Abróchense los cinturones ya que lo que verán ahora viene con turbulencias”, dijo.

Y bueno, aparte de las turbulencias, es una cinta que marea, porque al igual que los Dogma, está filmada en gran parte en video “casero”, para emular el registro de un soldado en la Guerra de Irak. Efecto que en la pantalla grande, en lo personal me hace doler la cabeza.

Pero más allá de la textura de la imagen, la película es un manotazo de oso porque aborda un tema fuerte. Redacted se refiere a un texto que ha sido censurado o con partes tachadas, información que se conoce, pero que se ha reprimido de forma consciente. En el caso de esta película, esa información es acerca de la violación y asesinato de una niña de 15 años cometida por soldados norteamericanos en Samarra, pertenecientes a un pelotón de control de punto de acceso (checkpoint).

Locura, bestialidad, sin sentido y desolación es el amargo saldo que deja en el espectador. Además de la impotencia de corroborar que a Estados Unidos no le bastó Vietnam para incorporar un “nunca más” en ciertas materias geopolíticas.

Es muy probable que Brian de Palma haya hecho esta película como un gesto político más que por una búsqueda estilística. Una vía compleja para el director norteamericano que afirma que la mayor arma contra su cinta es en este momento la indiferencia de sus propios compatriotas.

Pinche aquí para ver el vídeo

JHC, desde Guadalajara, Mexico

El viernes 7 de marzo pasado se inauguró en el imponente Auditorio Telmex de Zapopán la XXIII versión del Festival Internacional de Cine en Guadalajara.

Una ceremonia a lo grande, propia de un festival que se ha convertido en una cita clave para productores, directores, actores y distribuidores de cine iberoamericano.

Premio Mayahuel de Plata para Bertha Navarro y Premio Guadalajara para Gustavo Santaolalla (autor de la música de Babel, Diarios de Motocicleta y Brokeback Mountain, entre otras), un homenaje al inolvidable Tin Tan, y presentación de los jurados (entre los cuales figura el chileno Miguel Littin), fueron algunos de los ingredientes de una larga inauguración.

La película de honor estuvo a cargo de Argentina, país invitado. Se presentó el documental Café de los Maestros, de Miguel Kohan, producida por el propio Santaolalla y Lita Stantic.

De gran factura visual e impecable trabajo de sonido, este documental es un homenaje a los maestros vivos del Tango argentino, a través de una mirada íntima y una inmersión total en la música por más de una hora. Un guiño, sin duda, a Buena Vista Social Club, pero con la diferencia de haber sido concebida por argentinos, para los argentinos y el mundo. Cierta monotonía en el abordaje de los personajes contrasta con la calidad y energía de los mismos para quienes el Tango es tan esencial como respirar.

Mención aparte merece la elección del tema, en un contexto mundial de homogeneización cultural y frenético intercambio turístico. Como afirma el escritor argentino Macedonio Fernández, “el tango es la única cosa que nunca discutiremos con Europa”. Sin duda, Argentina atesora a sus referentes identitarios con energía, hecho que este documental deja bastante en claro.

Más que un locutor entre “ondero” y “flaite”, creo que el Rumpy es un psicólogo autodidacta en un país que poco a poco deja de ser doble estándar para ser directamente abierto en los temas sexuales. En Chile ha habido un cierto destape en los últimos años, un relajo de la líbido como parte de nuestra “evolución hacia el desarrollo”.

A este país acelerado y hormonal se dirige el Rumpy, curandero mediático que con voz chillona le baja el perfil a los desastres emocionales de los participantes de su programa. El Rumpy es querido porque escucha, y no da sermones sino que se remite a comentar en jerga popular las historias que le llegan, para terminar con un “temita” que corona el desenlace dramático de los condoros de los compatriotas en aprietos.

Las tres historias de Radio Corazón van más allá que El Chacotero Sentimental o películas como Sexo con Amor. Son más contemporáneas, y por tanto, más decadentes. O visto de otro modo, son relatos que se deslizan en la ya debilitada línea entre la sorpresa y la indiferencia de las audiencias de hoy. Hacen reír, sin duda. Pero es una risa que combina humor y nerviosismo.

Entre la colegiala que quiere perder la virginidad con su padrastro, la madre lesbiana que le quita la novia a su hijo y la nana que satisface las pulsiones naturales de su patrón alentada por su patrona, uno queda con la sensación de que hoy todo vale.

Es recomendable ver esta película en el cine y apreciar cómo se acomodan estos cuadros aparentemente patéticos en el nuevo mosaico moral chileno.